Doug Sahm es el principal artífice de la creación del grupo texano, líder y también cantante del mismo. Podemos describirlo como una mezcla de rock, blues, jazz, psicodélia, música de raíces y sonidos latinos que mezclándolos y removiéndolos ofrecen un sonido muy característico denominado, según Allmusic, Tex-Mex. Es el primer trabajo del grupo donde se pueden destacar temas muy aprovechables como “Song of Everything” o “Can you dig my vibrations?”, canciones más lentas con matices bluseros en “I'm Glad for Your Sake (But I'm Sorry for Mine)” y todo impregnado con retazos sicodélicos, muchas veces en manos de un violín como es el caso de “Whole Lotta Peace of Mind” o a través de la sensacional sección de viento que acompaña en todo el disco con matices jazzisticos como en la anteriormente citada “Song of everything” o en “You Never Get Too Big and You Sure Don't Get Too Heavy That You ...”
Un disco, a mi parecer, muy bueno como carta de presentación del grupo pero se ha de escuchar Mendocino (1969) o Together after five (1970) donde se recogen la esencia más pura de la banda.
No he encontrado ningún video de las canciones del disco pero os dejo una de las más conocidas "She´s a mover" del disco Mendocino
Después de un tiempo más que relajado, volvemos a la recomendación de algún que otro disco. Este año se cumplirán 20 años que desapareció Gene Clark, antiguo cantante del grupo The Byrds y para adelantarnos un poco queremos homenajearlo criticando este gran disco.
Antiguo cantante del magnífico grupo The Byrds, Gene Clark consolidó una magnífica carrera en solitario con diversos discos excepcionales pero sin el reconocimiento que merecía. Después de “White Light” (1971), Clark nos deleitó con este disco que desprende una gran sensibilidad a través de su gran voz y unas estructuras melódicas perfectas. “She´s the kind of girl” y “One in a hundred” se nota la participación de McGuinn a la guitarra por lo que podría estar perfectamente firmado por The Byrds. No sé si tocan todos los integrantes del grupo, o si son dos temas que se compusieron cuando Clark estaba dentro de él. Si alguién lo sabe que comente!
“Here Tonight” emana influencias folk-country principalmente a través del pedal steel guitar y unas acertadísimas armonías vocales. Un gran tema que da paso a “Full circle Song” una de las gemas del disco y de los temas más reconocidos de Clark que versa sobre la suerte y la fortuna. Nos encontramos otra vez el pedal steel guitar que le proporciona ese toque magnífico al tema.
“In a Misty Morning” es junto con el tema anterior otra de mis favoritas del álbum. Es una canción aparentemente sencilla pero que encierra cierta complejidad sobre todo por la gran idea de incorporar una sección de cuerda que otorga una cierta profundidad y tristeza a la canción que junto con la voz de Clark proporcionan un tema redondo. Otros temas que podemos encontrar en el disco son “Rough and Rocky”, la fantástica y autobiográfica “Roadmaster” o la balada “I really don´t want to know”.
“I remember the railroad” es otra de las melancólicas baladas más aconsejables del disco donde le sigue “She don´t care about me” de la misma onda que la anterior. Después de una cara B más lenta, pausada y predominada por baladas, se cierra el disco con “Shooting star” otra maravillosa canción lenta que merece especial atención y donde la voz de Clark te eriza el pelo. ¡Grandiosa¡
Después de Roadmaster, Gene Clark sacaría No other otro de los discos más sobresalientes del ex-Byrd
Gran disco de Los Enemigos para empezar la década de los noventa después de los discos Ferpectamente (1986) y Un tío cabal (1988). Disco más maduro que sus antecesores en cuanto a sonido, estructura en las melodías y, ante todo, crecimiento musical por parte de sus integrantes. El grupo pasaba por momentos delicados, sobre todo el cantante y compositor del grupo, Josele Santiago debido a su fuerte adicción de la heroína que casi le llevó a su expulsión del grupo de no ser porque era la principal cabeza pensante del mismo. Al bajo, Fino Oyonarte y a la batería, Chema Pérez.
Un gran disco que empieza con “El gran calambre final” con un gran riff potente y una letra que ejemplifica algún tipo de apocalipsis con muertos vivientes bailando en un huerto y discursos de profetas. “El fraile y yo” es una especie de locura bipolar entre un tipo y un fraile. No, si Josele Santiago tiene unas letras para flipar. “Traspiés” es uno de los momentos álgidos del disco que nunca ha tenido un reconocimiento tan importante como otros temas del grupo. Creo que es un tema redondo: contundente, ritmo acelerado mezclado con ese final de ritmo pesado y una letra genial:
Padre esta inyección está pero que muy bien,
hacía tiempo que no pillaba algo tan fetén.
Padre ¿decía usted?,
¿decía usted?,
¿decía usted?.
Otros temas menos contundentes con guitarras más sucias se escuchan en el tema “Ouija”, el humor siempre desplegado en las canciones del grupo también se puede apreciar en “La Torre de Babel” o la balada de “Paquito” que describe a un niño un tanto travieso y amante de las golondrinas. Himnos que perdurarán en la historia de nuestro rock son “Desde el jergón” y “Septiembre”, los dos temas más importantes del álbum que junto a “La otra orilla”, canción incluida en su disco La cuenta atrás (1991) forma un triplete inconmensurable. La letra de “Desde el jergón” es pura poesía:
Sigo hablando con las nubes
Ellas me enseñan lo que tuve.
Y esto que no me sube
Desde el jergón os maldigo
porque Dios se pasó,
se pasó conmigo.
Se proclaman gritos a favor de la desdicha y en contra del sabe-lo-toditis en “Yo no quiero ser feliz” o el maravilloso tema “Miedo” que es extraño que no haya tenido más resonancia porque ese riff se merece un puesto de honor:
Soy un buzo dentro
de mi Johnnie Walker´s red
El amante de tu amor, tu dueño,
tu tornillo flojo.
Alguien me vió contigo y se mató,
qué curioso antojo.
Sólo me dan miedo las monjas,
el agua y los niños.
“Firmarás” es otro tema con guitarra de fondo más limpia, “Yo, el rey” que aparece en el disco Un tío cabal (1988) pero esta vez en acústico. “Nadie me quiere” es un blues fantástico que cierra el disco entre párrafos en castellano e inglés y una interpretación vocal por parte de Josele parecido a Tom Waits.
Un disco magnífico que ocupa un lugar en los más importantes del rock español. Dignos sucesores de Rosendo y un disco imprescindible para aquellos que quieran conocer un poquito más qué se coció por las tierras españolas a finales de la década de los ochenta y década de los noventa. Para acabar, destacar que los temas “Paquito” y “Yo, el rey” aparecen solo en formato CD.
Uno de los grandes discos de los Rolling y de la década. Un discazo de arriba abajo, de derecha a izquierda y haciendo el pino. Un disco para enmarcar.
Exile on main street empieza como nunca, “Rocks off” suda rock n´roll por todas partes, una canción que pondrá en funcionamiento tus pies y aunque no sepas bailar, ellos mismo te enseñarán. Tremenda sección de viento y un magnífico piano por parte de Hopkins que proporciona a la canción un sabor único. Una canción que representa a los Rolling a la perfección. ¡Sí, señor!
“Rip this joint”, toma como base el blues, tan presente en las influencias del grupo, con un ritmo rápido al igual que “Hip Shake”. Otro tema digno de mencionar es “Tumbling dice” con sonidos más cercanos al soul pero sin abandonar el sonido blues-rock. Tremenda la parte de los coros femeninos que enlaza con la fiereza del Sr. Watts a la batería.
El álbum se compone de dos discos (en el formato vinilo) y en una cara hemos escuchado una calidad impresionante. A ver que nos encontramos en la cara B. Empieza una guitarra acústica….una armónica…..una mandolina…..estamos ante “Sweet Virginia” uno de los cortes mas emotivos para un servidor, un viaje por el vasto territorio americano recordando sus gratitudes y penurias. La armónica de Jagger es melancólica, triste pero es lo que hace grande a esta canción.
Esta parte del disco es más acústica, más country, hecho que se aprecia por “Black Angel” o “Torn & Frayed” aunque en “Living Cup” se introduce un magnífico piano al principio para dar paso a tintes más roqueros abandonando la base country que había permanecido en toda la cara B.
“Happy” abre la segunda parte del disco siendo otra pedazo de canción a la altura de “Rocks off” siendo esta vez el amigo Keith el que se ocupa de la voz principal. El slide marca el acento importante para después seguir con el mismo patrón la sección de viento. Sencillamente, increíble, otra gran tema del disco. “Turd on the radio” y “Ventilator blues” sigue la senda del blues siendo el primero un corte con ritmos más rápidos que el segundo, el cual se caracteriza por un ritmo más sincopado a través del slide y la batería. “Just wanna see his face” y “Let it loose” nos muestra un ambiente más pausado donde la primera nos sumerge en los ambientes muy parecidos al disco Gris-Gris (1968) de Dr. John donde se entremezcla lo oscuro, voodoo, rituales, etc. mientras que el segundo tema es otro de las gemas del álbum. Todas las partes suenan a la perfección, el piano de Hopkins, la guitarra con efectos delay, los coros femeninos están acertadísimos, otra vez la sección de vientos en su línea y la desgarrada voz de Jagger componen una balada preciosa.
“All down the line” se une al grupo de los temas energéticos junto con “Happy” y “Rocks off” donde el slide predomina en la canción logrando ser el protagonista del tema tanto en el solo como fuera de él al igual que “Stop Breaking down” donde se utiliza la típica base blues. Un tema fantástico.
“Shine a light” es otra fantástica balada con un estupendo órgano, coros evangélicos o los solos de Keith. Este disco no podía terminar de otra manera que dando caña y, por ello, “Soul survivor” es un magnífico ejemplo de ello. Sube al máximo tu equipo y disfrute desde el principio hasta el final de este gran disco porque las influencias de los Rolling afloran más que nunca en este perfecto álbum.
Un 10 para Exile on main St
Aquí podemos encontrar una vasta colección fotográfica de cómo fue la grabación del disco en la mansión francesa donde se instalaron e instantáneas de la gira posterior.
Tommy Bolin fue uno de aquellos guitarristas con un enorme talento para componer y tocar bueno temas cuyo nombre estaba cimentándose a base de duro trabajo y de estar en grupos como Zephyr, Deep Purple o James Gang, entre otros pero la muerte le sorprendió muy joven, con sólo 25 años.
“Private eyes” fue su segundo trabajo en solitario donde se puede respirar claras influencias de Clapton como en “Post Toastee” con una letra enfocada a las drogas, solos excelentes, presencia del saxo, cambios de ritmo y ambientación y un final magnífico.
Además del hard-rock de “Shake the devil” también podemos encontrar registros más pausados como la acústica “Gipsy soul”, “Hello, Again” o la delicada “Sweet Burgundy”, tonos bluseros en “You told me that you love me”, uno de los mejores cortes del disco, o retazos glam en las voces sin abandonar la línea hard-rock, en el tema “Bustin´ out for Rosey”.
“Private eyes” fue su último disco puesto que en el mismo año de su publicación, Bolin fue encontrado muerto por sobredosis de heroína. Recomendar también su primer disco “Teaser” de sonidos más roqueros y tintes jazzeros.
Esta canción la escuché, por primera vez, en voz de Kurt Cobain y pensé qué gran canción: Una introducción, un riff, voz y ritmo bestiales. Pero me encontraba muy equivocado cuando pensaba que era una canción de Nirvana, cuando investigando por la red me di cuenta que la canción era de un grupo de Holanda nacido en los ´60 llamado Shocking Blue. Estaba formado por Mariska Veres a la voz, Van der Beek, a la batería, Van Leewe, a la guitarra y Van der Wal, al bajo. No tuvieron mucha repercusión fuera de Europa pero sacaron unos cuantos singles que alcanzaron cierta notoriedad en las listas europeas. De Nirvana no creo que haga falta decir mucho más porque es por todos bastante conocidos. Las diferencias en el tema son bastante claras transformándola de un tema con tintes arábigos y sicodélicos típicos de la época al sonido sucio y desgarrador que los de Seattle proporcionan. Un trabajo magnífico de Nirvana.
Pere Ubu es uno de esos grupos de difícil clasificación. ¿Qué será? ¿Punk? ¿Post-punk? ¿Rock? ¿New wave? ¿Postrockpunkexperienta? ¿Un refrito de todo? Bueno, lo mejor para vosotros es que lo escuchéis y opinéis vosotros mismos pero esta claro que este disco de este gran grupo se desmarcaba de todos los grupos punk que se formaron a finales de los setenta con claras influencias de The Stooges, Frank Zappa o el Sr. Beefheart y similares, por mi parte, a los Red Krayola cuyo guitarrista Thompson se unió al grupo a finales de los ´70. El grupo esta liderado por el carismático David Thomas cuya voz es una de las más características que, por lo menos, este servidor, ha conocido.
“The Modern Dance” abre con dos excelentes temas. El primero de ellos, “Non-alignament pact”, empieza con un magnífico riff donde le sigue el siguiente tema que da nombre al disco, “Modern dance” con tonos sombríos, ritmo cercano al krautrock y, por supuesto, la voz de Thomas inconmensurable entre cortes ambientales que escenifican un gentío tendente a lo apocalíptico y cortes incoherentes que te llamarán claramente la atención.
“Street waves” es otro de los cortes luminosos del disco con otro gran riff que liga con un magnífico estribillo con ambientes fantasmagóricos. La joya del disco es “Chinese Radiation” un tema de difícil estructura combinado por diferentes partes que parecen no tener ningún sentido entre ellas pero a la vez guardan cierta
coherencia. ¿No os he dicho que este disco es un poco extraño? Sí, creo que sí pero es cojonudo.
“Over my head” es uno de mis cortes favoritos cuyo línea musical guarda cierta similitud al estilo de Tito & The Tarántulas. “Sentimental Journey” muestra otro de los puntos fuertes de Pere Ubu que es la experimentación. Por último,”Humor me” se presenta como cierre del disco con ciertos toques reggae y un final de guitarra fantástico.
Un trabajo que se desmarcó totalmente de la era punk de la época administrando dosis de experimentación musical donde la voz del gran David Thomas fue una de las claves para su sonido tan peculiar.
Inauguramos esta nueva sección de versiones con dos grandes grupos donde uno de ellos ha influenciado enormemente al otro. No cabe decir quien a quien porque está bastante claro pero para aquellos que andan un poco despistados explicaremos quienes son estos dos grupos. Sly and the Family Stone nacieron en San Francisco en 1967 como una banda donde se entremezclaba el funk, el soul , el rock y unas gotitas de esa psicodelia típica de la costa oeste de EEUU pero, además de mezclar estos estilos, era un grupo donde la mezcla racial era evidente puesto que la banda se componía de blancos y negros. Silvester “Sly Stone” Stewart fue el pilar fundamental del grupo aportando esa voz tan característica al grupo. “Fresh” salió al mercado en 1973 y, como no, es un fantástico disco donde, como hemos dicho antes, el funk y el soul se alían en perfecta concordancia.
Por otra parte, Red Hot Chili Peppers, nacieron a principios de los años ochenta presentandose como una mezcla de punk y funk. El primer disco del grupo no alcanzo gran notoriedad por la sencilla razón de que no era muy bueno pero empezaron a sentar las bases del camino que iba a tomar el grupo. “Freaky Styley” fue su segundo álbum y esta vez, sí que sacaron un gran disco y muy funk. Gran culpa de esto la tuvo el gran George Clinton, cantante del fantástico grupo Funkadelic, que tomó las riendas para sacar ese sonido tan bueno al grupo.
¿Qué tienen en común estos dos grupos? Bueno, además de que son grandes bandas que todo melómano debe de escuchar y que los Sly influenciaron enormemente a los Red Hot, éstos últimos versionaron una gran canción de la Family Stone, “If you want me to stay” toda una delicia para nuestros queridos e inquietos oídos. No voy entrar en el debate de cual es mejor porque, sinceramente, me parece lo más absurdo del mundo. Así que sólo diré que disfrutéis de ambas canciones y, por supuesto, recomiendo ambos discos si queréis disfrutar de funk a la altura.
Primer y excelente disco de Dr. John, mastodóntico personaje dentro de la escena blues de New Orleáns y del ámbito musical de la época. Nos presenta este álbum con “Gris- Gris Jumbo Ya Ya”, aires que nos retrotrae a ambientes oscuros, escenas místicas, voodoo, psicodélicas muy característico de la ciudad de New Orleáns. “Danse Kalimba da Boom” sigue el mismo patrón con un coro de mujeres que nos empapa de ese misticismo, siguiendo “Mama Roux” con la voz cálida del doctor y ciertos ritmos caribeños. Un disco muy original y, por tanto, muy extraño que sigue con temas como “Danse Fambeaux”, “Broker Courtbullion”, siendo esta ultima un experimento sonoro que imita un ritual donde se entremezclan los coros con el baile de la guitarra y sin parar de escuchar el ritmo incesante de los cascabeles.
“Jump Sturdy” es otra de las joyitas del disco donde se cuenta la extraña historia de la tal Sturdy. Para cerrar el disco, se remata con “I walk on guilded splinters”, pieza con los ambientes característicos de este disco siendo un excepcional broche de oro para este original álbum. Recomendada su escucha.
Una de esas rarezas que te encuentras por la red y lo mejor de todo es que son realmente cojonudos. ARK nacieron en EEUU, más concretamente en Carolina del Sur.
Un primer y último disco que suena bien parecido a las canciones tristes y lentas de The Doors tanto en la instrumentación como en la voz sobre todo en “Dear old friends” aunque la voz grave de Jim es incomparable.
Como peculiaridad las letras de ARK suelen enfocarse en la mayoría a lo que viene siendo “Christian Rock”, vamos, que parece ser que son bastante religiosos pero ello no es motivo para no disfrutar de unas excelentes guitarras en “When the son comes out” o “Sidewalk preacherman” que suena relamente fresca a día de hoy. La onírica “Sea of life”, los instrumental “Peace of mind” o una de mis favoritas “New civilization”.
Objeto de coleccionista sabiendo que sólo se editaron 100 copias del disco. Se me hace la boca agua.
Smash fue uno de los grupos rock fundamentales en España. Nacidos en Sevilla y en la época en que las bases americanas se establecieron en nuestro país produciéndose un acercamiento entre los soldados americanos y la gente del pueblo. Los componenetes de Smash sacaron provecho de estas relaciones descubriendo discos o tendencias que los soldados traían de tierras lejanas. Smash no sólo se quedó en el rock sino que más adelante sacaron discos de flamenco-rock.
Grupo power pop nacidos a mitad de la década de los 70 en Memphis. Claras influencias de Big Star o The Raspberries, además de grupos de la Invasión Británica. Similares a grupos como Cheap Trick o The Rubinoos.
“Wanna meet the Scruffs?” fue el primer trabajo del grupo formado por Stephen Burns, a la guitarra y voz, Dave Branyan, a la guitarra, Ricky Branyan, al bajo y Zeph Paulson a la batería. En el disco podemos encontrar toda una serie de canciones cargadas de buenas melodías, guitarras energéticas o una gran cantidad de estribillos pegadizos. Un disco altamente recomendable.
Enrique Morente en simbiosis con Lagartija Nick. Cante jondo con rock. ¿El resultado? El disco "Omega". Una fusión entre dos estilos totalmente radicales con un resultado único donde los poemas de Lorca y Cohen se entremezclan con aires granadinos, folkloricos y rockeros. Un disco para enmarcar y colocar en la lista de aquellos que te ponen los pelos de punta por muchas veces que lo escuches.
La calidad del sonido en el video no es muy buena pero quería poner este en concreto porque se refleja la contundencia de su sonido.
Gran grupo de garage de la época de los sesenta. Hicieron versiones de clásicos de Chuck Berry o Little Richard aportando una carga de crudeza y energía impresionante a través de distorsiones y sobre todo por el salvajismo en la voz que corría a cargo de Gerry Roslie. Por lo tanto, podemos decir que estamos ante uno de los primeros grupos más duros de la época.
En algunos sitios especializados los tildan de grupo proto-punk. Se puede entender como la semilla de donde nació, por ejemplo, los magníficos The Stooges o Blue Cheer. The Sonics lo componen los hermanos Parypa al bajo y guitarra, Gerry Roslie a la voz y teclado, Bob “Boom Boom” Bennett a la batería y Rob Lind al saxo.
Sin más dilación, pasemos a comentar el magnífico álbum “Sonics Boom”. El segundo disco de The Sonics recoge las mismas características que el primero de ellos y se ejemplifica en el primer corte de ellos, “Cinderella” con un riff de guitarra explosivo y un trabajo a la voz increíble. “Don´t be afraid of the dark” empieza con la voz de Roslie demasiada tranquila como protagonista para aumentar la velocidad y adentrándose la dureza de la batería. Los coros recuerdan a The Temptations o The Contours.
También aparecen versiones de Bill Haley “Skinny Minnie”, de Marvin Gaye “Hitch Hike”, de Kingsmen “Louie Louie”, siendo uno de los grandes momentazos del disco. ¡Impresionante!
Little Richard también aparece como versionado con su tema “Jenny, Jenny, Keep a knockin´”, “Piano” Smith con su clásico “Don´t you just know it” y, por último, la balada “Since I fell for you” de Buddy Johnson que no concuerda del todo con la línea musical del disco aunque es un tema muy apto para bailar agarrado con tu chica/o.
Por otra parte, el álbum está plagado de canciones escritas por el grupo. Además de las dos ya mencionadas al principio, podemos destacar “He´s waitin´”, con un tremendo riff de guitarra, que trata sobre alguna chica con proposiciones demoníacas, el magnífico blues de “Shot down” o los directos de dos clásicos como “The Witch” y “Psycho” que suenan aún más salvajes que en estudio.
Tras una larga semana un poco atípica en mi vida, me he puesto a investigar un rato y he podido crear la Radio Walt en Facebook. Bueno, no dista mucho de ser diferente al blog pero podeis comentar igualmente o publicar cualquier cosa que no dañe a nuestros queridos y deliciosos oídos. Aquí os dejo la dirección
