Captain Beefheart (15 Enero 1941- 17 Diciembre 2010)

Enrique Morente (25 Diciembre 1942-13 Diciembre 2010)

No soy muy de flamenco pero escuché "Omega" y este hombre se convirtió para mi en uno de los grandes innovadores de la música.

Enemigos, los - La vida mata (1990)

Gran disco de Los Enemigos para empezar la década de los noventa después de los discos Ferpectamente (1986) y Un tío cabal (1988). Disco más maduro que sus antecesores en cuanto a sonido, estructura en las melodías y, ante todo, crecimiento musical por parte de sus integrantes. El grupo pasaba por momentos delicados, sobre todo el cantante y compositor del grupo, Josele Santiago debido a su fuerte adicción de la heroína que casi le llevó a su expulsión del grupo de no ser porque era la principal cabeza pensante del mismo. Al bajo, Fino Oyonarte y a la batería, Chema Pérez.
Un gran disco que empieza con “El gran calambre final” con un gran riff potente y una letra que ejemplifica algún tipo de apocalipsis con muertos vivientes bailando en un huerto y discursos de profetas. “El fraile y yo” es una especie de locura bipolar entre un tipo y un fraile. No, si Josele Santiago tiene unas letras para flipar. “Traspiés” es uno de los momentos álgidos del disco que nunca ha tenido un reconocimiento tan importante como otros temas del grupo. Creo que es un tema redondo: contundente, ritmo acelerado mezclado con ese final de ritmo pesado y una letra genial:


Padre esta inyección está pero que muy bien,
hacía tiempo que no pillaba algo tan fetén.
Padre ¿decía usted?,
¿decía usted?,
¿decía usted?.

Otros temas menos contundentes con guitarras más sucias se escuchan en el tema “Ouija”, el humor siempre desplegado en las canciones del grupo también se puede apreciar en “La Torre de Babel” o la balada de “Paquito” que describe a un niño un tanto travieso y amante de las golondrinas. Himnos que perdurarán en la historia de nuestro rock son “Desde el jergón” y “Septiembre”, los dos temas más importantes del álbum que junto a “La otra orilla”, canción incluida en su disco La cuenta atrás (1991) forma un triplete inconmensurable. La letra de “Desde el jergón” es pura poesía:


Sigo hablando con las nubes
Ellas me enseñan lo que tuve.
Y esto que no me sube
Desde el jergón os maldigo
porque Dios se pasó,
se pasó conmigo.

Se proclaman gritos a favor de la desdicha y en contra del sabe-lo-toditis en “Yo no quiero ser feliz” o el maravilloso tema “Miedo” que es extraño que no haya tenido más resonancia porque ese riff se merece un puesto de honor:

Soy un buzo dentro
de mi Johnnie Walker´s red
El amante de tu amor, tu dueño,
tu tornillo flojo.
Alguien me vió contigo y se mató,
qué curioso antojo.

Sólo me dan miedo las monjas,
el agua y los niños.

“Firmarás” es otro tema con guitarra de fondo más limpia, “Yo, el rey” que aparece en el disco Un tío cabal (1988) pero esta vez en acústico. “Nadie me quiere” es un blues fantástico que cierra el disco entre párrafos en castellano e inglés y una interpretación vocal por parte de Josele parecido a Tom Waits.

Un disco magnífico que ocupa un lugar en los más importantes del rock español. Dignos sucesores de Rosendo y un disco imprescindible para aquellos que quieran conocer un poquito más qué se coció por las tierras españolas a finales de la década de los ochenta y década de los noventa. Para acabar, destacar que los temas “Paquito” y “Yo, el rey” aparecen solo en formato CD.








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Rolling Stones, the-Exile on main St (1972)

Uno de los grandes discos de los Rolling y de la década. Un discazo de arriba abajo, de derecha a izquierda y haciendo el pino. Un disco para enmarcar.
Exile on main street empieza como nunca, “Rocks off” suda rock n´roll por todas partes, una canción que pondrá en funcionamiento tus pies y aunque no sepas bailar, ellos mismo te enseñarán. Tremenda sección de viento y un magnífico piano por parte de Hopkins que proporciona a la canción un sabor único. Una canción que representa a los Rolling a la perfección. ¡Sí, señor!

“Rip this joint”, toma como base el blues, tan presente en las influencias del grupo, con un ritmo rápido al igual que “Hip Shake”. Otro tema digno de mencionar es “Tumbling dice” con sonidos más cercanos al soul pero sin abandonar el sonido blues-rock. Tremenda la parte de los coros femeninos que enlaza con la fiereza del Sr. Watts a la batería.

El álbum se compone de dos discos (en el formato vinilo) y en una cara hemos escuchado una calidad impresionante. A ver que nos encontramos en la cara B. Empieza una guitarra acústica….una armónica…..una mandolina…..estamos ante “Sweet Virginia” uno de los cortes mas emotivos para un servidor, un viaje por el vasto territorio americano recordando sus gratitudes y penurias. La armónica de Jagger es melancólica, triste pero es lo que hace grande a esta canción.
Esta parte del disco es más acústica, más country, hecho que se aprecia por “Black Angel” o “Torn & Frayed” aunque en “Living Cup” se introduce un magnífico piano al principio para dar paso a tintes más roqueros abandonando la base country que había permanecido en toda la cara B.

“Happy” abre la segunda parte del disco siendo otra pedazo de canción a la altura de “Rocks off” siendo esta vez el amigo Keith el que se ocupa de la voz principal. El slide marca el acento importante para después seguir con el mismo patrón la sección de viento. Sencillamente, increíble, otra gran tema del disco. “Turd on the radio” y “Ventilator blues” sigue la senda del blues siendo el primero un corte con ritmos más rápidos que el segundo, el cual se caracteriza por un ritmo más sincopado a través del slide y la batería. “Just wanna see his face” y “Let it loose” nos muestra un ambiente más pausado donde la primera nos sumerge en los ambientes muy parecidos al disco Gris-Gris (1968) de Dr. John donde se entremezcla lo oscuro, voodoo, rituales, etc. mientras que el segundo tema es otro de las gemas del álbum. Todas las partes suenan a la perfección, el piano de Hopkins, la guitarra con efectos delay, los coros femeninos están acertadísimos, otra vez la sección de vientos en su línea y la desgarrada voz de Jagger componen una balada preciosa.

“All down the line” se une al grupo de los temas energéticos junto con “Happy” y “Rocks off” donde el slide predomina en la canción logrando ser el protagonista del tema tanto en el solo como fuera de él al igual que “Stop Breaking down” donde se utiliza la típica base blues. Un tema fantástico.
“Shine a light” es otra fantástica balada con un estupendo órgano, coros evangélicos o los solos de Keith. Este disco no podía terminar de otra manera que dando caña y, por ello, “Soul survivor” es un magnífico ejemplo de ello. Sube al máximo tu equipo y disfrute desde el principio hasta el final de este gran disco porque las influencias de los Rolling afloran más que nunca en este perfecto álbum.

Un 10 para Exile on main St









Aquí podemos encontrar una vasta colección fotográfica de cómo fue la grabación del disco en la mansión francesa donde se instalaron e instantáneas de la gira posterior.


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Tommy Bolin- Private eyes (1976)

Tommy Bolin fue uno de aquellos guitarristas con un enorme talento para componer y tocar bueno temas cuyo nombre estaba cimentándose a base de duro trabajo y de estar en grupos como Zephyr, Deep Purple o James Gang, entre otros pero la muerte le sorprendió muy joven, con sólo 25 años.

“Private eyes” fue su segundo trabajo en solitario donde se puede respirar claras influencias de Clapton como en “Post Toastee” con una letra enfocada a las drogas, solos excelentes, presencia del saxo, cambios de ritmo y ambientación y un final magnífico.
Además del hard-rock de “Shake the devil” también podemos encontrar registros más pausados como la acústica “Gipsy soul”, “Hello, Again” o la delicada “Sweet Burgundy”, tonos bluseros en “You told me that you love me”, uno de los mejores cortes del disco, o retazos glam en las voces sin abandonar la línea hard-rock, en el tema “Bustin´ out for Rosey”.

“Private eyes” fue su último disco puesto que en el mismo año de su publicación, Bolin fue encontrado muerto por sobredosis de heroína. Recomendar también su primer disco “Teaser” de sonidos más roqueros y tintes jazzeros.

Version 2.0- Love buzz

Esta canción la escuché, por primera vez, en voz de Kurt Cobain y pensé qué gran canción: Una introducción, un riff, voz y ritmo bestiales. Pero me encontraba muy equivocado cuando pensaba que era una canción de Nirvana, cuando investigando por la red me di cuenta que la canción era de un grupo de Holanda nacido en los ´60 llamado Shocking Blue. Estaba formado por Mariska Veres a la voz, Van der Beek, a la batería, Van Leewe, a la guitarra y Van der Wal, al bajo. No tuvieron mucha repercusión fuera de Europa pero sacaron unos cuantos singles que alcanzaron cierta notoriedad en las listas europeas.
De Nirvana no creo que haga falta decir mucho más porque es por todos bastante conocidos. Las diferencias en el tema son bastante claras transformándola de un tema con tintes arábigos y sicodélicos típicos de la época al sonido sucio y desgarrador que los de Seattle proporcionan. Un trabajo magnífico de Nirvana.

Solomon Burke ( 21 Marzo 1940- 10 Octubre 2010)

Pere Ubu- The Modern Dance (1978)

Pere Ubu es uno de esos grupos de difícil clasificación. ¿Qué será? ¿Punk? ¿Post-punk? ¿Rock? ¿New wave? ¿Postrockpunkexperienta? ¿Un refrito de todo? Bueno, lo mejor para vosotros es que lo escuchéis y opinéis vosotros mismos pero esta claro que este disco de este gran grupo se desmarcaba de todos los grupos punk que se formaron a finales de los setenta con claras influencias de The Stooges, Frank Zappa o el Sr. Beefheart y similares, por mi parte, a los Red Krayola cuyo guitarrista Thompson se unió al grupo a finales de los ´70. El grupo esta liderado por el carismático David Thomas cuya voz es una de las más características que, por lo menos, este servidor, ha conocido.

“The Modern Dance” abre con dos excelentes temas. El primero de ellos, “Non-alignament pact”, empieza con un magnífico riff donde le sigue el siguiente tema que da nombre al disco, “Modern dance” con tonos sombríos, ritmo cercano al krautrock y, por supuesto, la voz de Thomas inconmensurable entre cortes ambientales que escenifican un gentío tendente a lo apocalíptico y cortes incoherentes que te llamarán claramente la atención.

“Street waves” es otro de los cortes luminosos del disco con otro gran riff que liga con un magnífico estribillo con ambientes fantasmagóricos. La joya del disco es “Chinese Radiation” un tema de difícil estructura combinado por diferentes partes que parecen no tener ningún sentido entre ellas pero a la vez guardan cierta
coherencia. ¿No os he dicho que este disco es un poco extraño? Sí, creo que sí pero es cojonudo.

“Over my head” es uno de mis cortes favoritos cuyo línea musical guarda cierta similitud al estilo de Tito & The Tarántulas. “Sentimental Journey” muestra otro de los puntos fuertes de Pere Ubu que es la experimentación. Por último,”Humor me” se presenta como cierre del disco con ciertos toques reggae y un final de guitarra fantástico.

Un trabajo que se desmarcó totalmente de la era punk de la época administrando dosis de experimentación musical donde la voz del gran David Thomas fue una de las claves para su sonido tan peculiar.

Version 2.0- If you want me to stay

Inauguramos esta nueva sección de versiones con dos grandes grupos donde uno de ellos ha influenciado enormemente al otro. No cabe decir quien a quien porque está bastante claro pero para aquellos que andan un poco despistados explicaremos quienes son estos dos grupos.
Sly and the Family Stone nacieron en San Francisco en 1967 como una banda donde se entremezclaba el funk, el soul , el rock y unas gotitas de esa psicodelia típica de la costa oeste de EEUU pero, además de mezclar estos estilos, era un grupo donde la mezcla racial era evidente puesto que la banda se componía de blancos y negros. Silvester “Sly Stone” Stewart fue el pilar fundamental del grupo aportando esa voz tan característica al grupo.
“Fresh” salió al mercado en 1973 y, como no, es un fantástico disco donde, como hemos dicho antes, el funk y el soul se alían en perfecta concordancia.

Por otra parte, Red Hot Chili Peppers, nacieron a principios de los años ochenta presentandose como una mezcla de punk y funk. El primer disco del grupo no alcanzo gran notoriedad por la sencilla razón de que no era muy bueno pero empezaron a sentar las bases del camino que iba a tomar el grupo. “Freaky Styley” fue su segundo álbum y esta vez, sí que sacaron un gran disco y muy funk. Gran culpa de esto la tuvo el gran George Clinton, cantante del fantástico grupo Funkadelic, que tomó las riendas para sacar ese sonido tan bueno al grupo.

¿Qué tienen en común estos dos grupos? Bueno, además de que son grandes bandas que todo melómano debe de escuchar y que los Sly influenciaron enormemente a los Red Hot, éstos últimos versionaron una gran canción de la Family Stone, “If you want me to stay” toda una delicia para nuestros queridos e inquietos oídos.
No voy entrar en el debate de cual es mejor porque, sinceramente, me parece lo más absurdo del mundo. Así que sólo diré que disfrutéis de ambas canciones y, por supuesto, recomiendo ambos discos si queréis disfrutar de funk a la altura.

Jacques Brel- Amsterdam

¡Qué manera de interpretar! Se me pone la piel de gallina.

Dr. John- Gris- Gris (1968)

Primer y excelente disco de Dr. John, mastodóntico personaje dentro de la escena blues de New Orleáns y del ámbito musical de la época. Nos presenta este álbum con “Gris- Gris Jumbo Ya Ya”, aires que nos retrotrae a ambientes oscuros, escenas místicas, voodoo, psicodélicas muy característico de la ciudad de New Orleáns. “Danse Kalimba da Boom” sigue el mismo patrón con un coro de mujeres que nos empapa de ese misticismo, siguiendo “Mama Roux” con la voz cálida del doctor y ciertos ritmos caribeños. Un disco muy original y, por tanto, muy extraño que sigue con temas como “Danse Fambeaux”, “Broker Courtbullion”, siendo esta ultima un experimento sonoro que imita un ritual donde se entremezclan los coros con el baile de la guitarra y sin parar de escuchar el ritmo incesante de los cascabeles.
“Jump Sturdy” es otra de las joyitas del disco donde se cuenta la extraña historia de la tal Sturdy. Para cerrar el disco, se remata con “I walk on guilded splinters”, pieza con los ambientes característicos de este disco siendo un excepcional broche de oro para este original álbum. Recomendada su escucha.

Gris-Gris Gumbo Ya Ya
Danse Kalinda Ba Doom
Mama Roux
Danse Fambeaux Creaux
Croker Courtbullion
Jump Sturdy
I Walk on Guilded Splinters

ARK- Voyages (1978)

Una de esas rarezas que te encuentras por la red y lo mejor de todo es que son realmente cojonudos. ARK nacieron en EEUU, más concretamente en Carolina del Sur.
Un primer y último disco que suena bien parecido a las canciones tristes y lentas de The Doors tanto en la instrumentación como en la voz sobre todo en “Dear old friends” aunque la voz grave de Jim es incomparable.

Como peculiaridad las letras de ARK suelen enfocarse en la mayoría a lo que viene siendo “Christian Rock”, vamos, que parece ser que son bastante religiosos pero ello no es motivo para no disfrutar de unas excelentes guitarras en “When the son comes out” o “Sidewalk preacherman” que suena relamente fresca a día de hoy. La onírica “Sea of life”, los instrumental “Peace of mind” o una de mis favoritas “New civilization”.

Objeto de coleccionista sabiendo que sólo se editaron 100 copias del disco. Se me hace la boca agua.

Smash- Love Millonaire

Smash fue uno de los grupos rock fundamentales en España. Nacidos en Sevilla y en la época en que las bases americanas se establecieron en nuestro país produciéndose un acercamiento entre los soldados americanos y la gente del pueblo.
Los componenetes de Smash sacaron provecho de estas relaciones descubriendo discos o tendencias que los soldados traían de tierras lejanas. Smash no sólo se quedó en el rock sino que más adelante sacaron discos de flamenco-rock.

The Scruffs- Wanna meet the Scruffs? (1977)

Grupo power pop nacidos a mitad de la década de los 70 en Memphis. Claras influencias de Big Star o The Raspberries, además de grupos de la Invasión Británica. Similares a grupos como Cheap Trick o The Rubinoos.

“Wanna meet the Scruffs?” fue el primer trabajo del grupo formado por Stephen Burns, a la guitarra y voz, Dave Branyan, a la guitarra, Ricky Branyan, al bajo y Zeph Paulson a la batería. En el disco podemos encontrar toda una serie de canciones cargadas de buenas melodías, guitarras energéticas o una gran cantidad de estribillos pegadizos. Un disco altamente recomendable.

1. Break the ice
2. My mind
3. You´re no fun
4. Frozen girls
5. I´ve got a way
6. Tragedy
7. This Thursday
8. Revenge
9. She say Yea
10. Tommy Gun
11. Sad Café
12. I´m a failure
13. Bedtime stories

Enrique Morente y Lagartija Nick- Ciudad sin dueño

Enrique Morente en simbiosis con Lagartija Nick. Cante jondo con rock. ¿El resultado? El disco "Omega". Una fusión entre dos estilos totalmente radicales con un resultado único donde los poemas de Lorca y Cohen se entremezclan con aires granadinos, folkloricos y rockeros.
Un disco para enmarcar y colocar en la lista de aquellos que te ponen los pelos de punta por muchas veces que lo escuches.

La calidad del sonido en el video no es muy buena pero quería poner este en concreto porque se refleja la contundencia de su sonido.

Sonics, the- Sonics Boom (1965)

Gran grupo de garage de la época de los sesenta. Hicieron versiones de clásicos de Chuck Berry o Little Richard aportando una carga de crudeza y energía impresionante a través de distorsiones y sobre todo por el salvajismo en la voz que corría a cargo de Gerry Roslie. Por lo tanto, podemos decir que estamos ante uno de los primeros grupos más duros de la época.

En algunos sitios especializados los tildan de grupo proto-punk. Se puede entender como la semilla de donde nació, por ejemplo, los magníficos The Stooges o Blue Cheer. The Sonics lo componen los hermanos Parypa al bajo y guitarra, Gerry Roslie a la voz y teclado, Bob “Boom Boom” Bennett a la batería y Rob Lind al saxo.

Sin más dilación, pasemos a comentar el magnífico álbum “Sonics Boom”. El segundo disco de The Sonics recoge las mismas características que el primero de ellos y se ejemplifica en el primer corte de ellos, “Cinderella” con un riff de guitarra explosivo y un trabajo a la voz increíble. “Don´t be afraid of the dark” empieza con la voz de Roslie demasiada tranquila como protagonista para aumentar la velocidad y adentrándose la dureza de la batería. Los coros recuerdan a The Temptations o The Contours.

También aparecen versiones de Bill Haley “Skinny Minnie”, de Marvin Gaye “Hitch Hike”, de Kingsmen “Louie Louie”, siendo uno de los grandes momentazos del disco. ¡Impresionante!
Little Richard también aparece como versionado con su tema “Jenny, Jenny, Keep a knockin´”, “Piano” Smith con su clásico “Don´t you just know it” y, por último, la balada “Since I fell for you” de Buddy Johnson que no concuerda del todo con la línea musical del disco aunque es un tema muy apto para bailar agarrado con tu chica/o.

Por otra parte, el álbum está plagado de canciones escritas por el grupo. Además de las dos ya mencionadas al principio, podemos destacar “He´s waitin´”, con un tremendo riff de guitarra, que trata sobre alguna chica con proposiciones demoníacas, el magnífico blues de “Shot down” o los directos de dos clásicos como “The Witch” y “Psycho” que suenan aún más salvajes que en estudio.

Paolo Conte- Max

Desde Italia unos de mis artistas prefferidos. Disfrutadlo

Tambien en Facebook

Tras una larga semana un poco atípica en mi vida, me he puesto a investigar un rato y he podido crear la Radio Walt en Facebook. Bueno, no dista mucho de ser diferente al blog pero podeis comentar igualmente o publicar cualquier cosa que no dañe a nuestros queridos y deliciosos oídos.
Aquí os dejo la dirección

Facebook

Affinity- I am and so you are/I am the walrus

Affinity fue un grupo sumergido en la sicodélia de la época con claros tintes hacia el jazz-rock. Su único disco de título homónimo es totalmente recomendable así como el magnífico trabajo a la voz de Linda Hoyle.

Beatles, the- Revolver (1966)

Los Beatles como todos sabemos es el grupo más grande de la historia de la música. Vale, lo sé, fueron una máquina bestial de marketing pero además de eso hicieron unos discos magníficos y fueron unos grandes expertos en la creación de melodías pop-rock. ¿Sobrevalorados? Bueno, eso ya es opinión de cada uno pero yo pienso que fueron unos grandes experimentadores, tocaron todos los palos musicales y los tocaron muy bien.

Bueno, el disco que os traigo es uno de los que más aprecio después del White Album de 1968. Con Rubber Soul ya se apreciaba una cierta profundidad en distintos sonidos que se reafirmó en este disco tanto en la portada, realizada por el músico Klaus Voorman y que llevó a numerosas distensiones en la época acerca de lo que significaba tal dibujito o el motivo de la mirada de Lennon a McCartney y demás gilipolleces, como en la música en si.

“Taxman” se presenta como la carta de presentación del disco. Es una maravilla de tema compuesta por Harrison, muy crítica con la política fiscal de la época en Reino Unido y sobre todo, muy potente con unas guitarras afiladas y un bajo y batería que marcan un ritmo muy marcado dándole esa firmeza al tema. Además del primer tema, Harrison estuvo más presente en este disco que otros, componiendo dos temas más. Todos sabemos que Harrison fue un gran interesado en la cultura hindú, introduciendo el sitar en temas como “Love you to”. El otro tema compuesto por él es “I want to tell you”

Pero no podemos olvidar que la pareja que llevaba el carro del grupo era Lennon y McCartney componiendo la mayoría de los temas como por ejemplo, “Eleonor Rugby” siendo la cara antónima al primer tema donde no hay más instrumentos que una sección de cuerda impresionante acompañando a McCartney en una historia sobre una muchacha de mismo nombre. “I´m only sleeping” es otra magnífica canción cantada por Lennon donde brilla una atmósfera perezosa acompañada por una psicodélica guitarra mostrando un sonido totalmente nuevo en la época. Este consistía en grabar una frase de guitarra y reproducirla del revés provocando ese sonido tan característico.

“She said she said” podemos decir que se acerca bastante a lo que seria el powerpop, la divertida con piano omnipresente “Good day sunshine”, la popera y eléctrica “And your bird can sing”, la clásica “For no one” que se le puede clasificar como Chamber pop o música de cámara o la rockera “Doctor Robert” son algunas de las canciones que nos podemos encontrar en este disco.

No debemos olvidarnos de la archiconocida “Yellow Submarine” o “…Amarillo el submarino es…” en un intento de traducir la canción al español, compuesta y cantada por Ringo y, por último, mi favorita del disco, “Tomorrow never knows” donde la explosión sicodélica y la experimentación musical recoge sus cotas más altas fruto de una posible ingesta de sustancias sicotrópicas. No es ningún secreto que el LSD circulara por su entorno más cercano. Creo que hacer esta canción en 1966 es algo simplemente extraordinario. Después de 44 años, aún suena fresca e innovadora.

Revolver se convertiría en un cambio, no sé si esperado por la crítica pero sí necesario para el grupo. Fue el aperitivo del disco que transformaría la manera de entender la música. Estamos hablando del “Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band” y de una serie de discos que auparían aún más a este grupo de trascendencia incalculable en el mundo de la música.

Dr. Hook and the medicine show- Yodel Song

Tras estos dias de intenso calor, humedad irritante y algún que otro episodio triste, he encontrado por la red algo que me ha hecho reirme, por lo menos, un rato.
Conocí este grupo no hace mucho a través de uno de tantos y tantos blogs de música que existen por la red.

Me recuerdan a aquellas fiestas con los colegas en algun chalet perdido a medio construir...alcochol, risas y muy buena música.

Blood, Sweat & Tears- Child is father to the man (1968)

Blood, Sweat & Tears fue uno de los proyectos más ambiciosos de Al Kooper con el fin de formar un grupo donde se mezclará el rock, blues, música clásica y sobre todo el jazz. Con esta idea nació el grupo, cuyo origen se sitúa en la ciudad de Nueva York, y su primer disco “Child is father to the man” una exposición magnífica de cómo este gran genio mezcló diferentes estilos creando un gran disco donde también aparecen retazos soul o funk.

“Overture” es el primer corte del disco basado en la música clásica donde se esconden cortes de las futuras canciones del disco. Un tema, impregnado con el que será el estilo inconfundible del grupo, la base de muchos de sus futuras canciones: sección de cuerda y percusión importante, cambios bruscos de tiempo, típicos efectos de ambiente, en este caso, las risas incontroladas, etc. “I love you more than you ever know” es una balada fantástica que muestra la otra cara inconfundible de BST: tiempos pausados, utilización con un más que acertado resultado de la sección de viento que dota a la canción de gran fuerza, pinceladas soul en la voz de Al Kooper y esa entonación triste y melancólica que ofrece el blues aunque aquí se muestra de forma muy intrínseca.

“Morning Glory” es otro de los grandes cortes del disco siendo una versión del tema de Tim Buckley. Empieza con una sección de viento jazzística para continuar con la senda de tiempos lentos donde la base omnipresente es el teclado de Kooper pero la sección de viento también se hace un gran hueco en el tema sobre todo en el estribillo siendo una de mis partes favoritas del tema. ¡Precioso!

A destacar “My days are numbered” donde se le encarga al bajo un sonido principal. Estad atentos y escuchareis como el bajo en algunas partes es el organizador del tema, el que dirige la canción acompañando a la guitarra lisérgica en el solo, muy influenciada por la psicodélia de The Beatles. “Without her”, de Harry Nilson, se nos presenta como la chica de Ipanema pero cambia
de tercio radicalmente hacia campos más jazzeros. “I can´t quit her” es otro de lo momentazos del disco, gran tema de Al Kooper sobre todo la base de piano o “Meagan´s Gipsy Eyes”, la cual se podría enmarcar dentro del folk psicodélico, dotan a este trayecto del disco de cierta tranquilidad ya que, por ejemplo, la sección de viento no es tan principal como en las demás canciones, es decir, no tiene un peso tan importante.

En la estupenda “Somethin goin´ on” la influencia blusera se muestra en todo su esplendor. “House in the country” es una pieza con un ritmo realmente excitante que narra las propiedades relajante de asentarse en el medio rural. “The Modern Adventure of Plato” con un trabajo fantástico en la sección de cuerda y para finalizar “So much love/Underture”, tema escrito por Carole King y Ferry Goffin, donde se entremezclan sonidos pop, soul y jazz. Los últimos 30 segundos la canción se fusiona con parte del “Overture” dando lugar al “Underture”

Después de este disco, Al Kooper abandonó Blood, Sweat & Tears siendo sustituido por David Clayton para volver a ser un músico de sesión y grabar con nombre como Hendrix, Who, The Zombies, etc.
Por otra parte, Blood, Sweat & Tears grabaron otro gran disco en 1969 con título homónimo pero a partir de éste, la trayectoria musical del grupo fue decreciendo.

Wire- The art of stopping

Después de escuchar aquella canción no se cuanto tiempo atrás y de no acordarme que grupo era, por fín, he encontrado la canción y el grupo.

Kinks, the - Muswell Hillbillies (1971)

La década de los ´60 fue un flujo de asombrosa creatividad para el grupo con discos tan esenciales como “Face to face”, “The Village Green Preservation Society” o “Arthur”, siendo los ´70 un período agridulce donde sacaron discos muy infravalorados por la critica de la época no siendo el caso de "Muswell Hillbillies" que recogió muy buenas opiniones, convirtiéndose a lo largo del tiempo es uno de los discos preferidos de un servidor. El grupo se compone por Ray Davies, voz, guitarra rítmica y principal compositor del grupo, Dave Davies, guitarra principal, Peter Quaife que será sustituido por John Dalton (1968) y, éste a su vez por Andy Pile (1977), al bajo y Mickey Willet a la batería.

Después del infravalorado “Lola vs. the Powerman & the Money-Go-Round, Pt. 1”, The Kinks volvieron de cierta forma a sus raíces pero aportando sonidos country y music hall y sin apartar esa acidez y sarcasmo en sus letras. Muswell Hillbillies está empapado de historias de la clase media inglesa muy influenciado por el barrio donde los hermanos Davies se criaron, Muswell Hill, el cual da nombre al disco.

El disco empieza con “20th century man” tema muy cañero que critica la sociedad del “gran hermano”, el estado policial o el desarrollo de la ingeniería armamentística. Ya veis, que Ray Davies no se queda callado. Todo ello lo hace, como ya os he dicho, desde una visión muy irónica. El trabajo por parte de Mickey Willet es soberbio. El sonido vodevil, music hall o “teatral” además del country-rock es claramente observable en temas como “Holiday”, “Alcohol”, “Have a cuppa tea” o “Holloway Jail”.

Los sonidos roqueros o bluseros no podían faltar en este disco, como la maravillosa “Acute Schizophrenia Paranoia Blues” que narra la rutina de un esquizofrénico entre vecinas y lecheros del KGB o teléfonos pinchados, “Skin & Bone”, “Here come the people grey”, clara crítica a la burocracia o temas más sentimentales como “Uncle son” o “Oklahoma USA”.

El disco cierra con “Muswell Hillbilly” un emocionado tributo al barrio de los hermanos Davies proclamando que vayan donde vayan no los podrán cambiar su forma de ser.

“They'll try and make me study elocution,
Because they say my accent isn't right,
They can clear the slums as part of their solution,
But they're never gonna kill my cockney pride.”

En algunas ediciones, el disco contiene dos temas más a modo de bonus tracks. “Mountain woman” y “Kentucky moon” siendo este último un excelente cierre para el disco donde la voz de Ray Davies y el piano se compenetran de manera fantástica. El trabajo de Dave Davies al slide permite al tema transpirar un cierto aroma a country.

Comparando Muswell Hillbillies con discos de la década pasada llego a la conclusión de que éste es un disco mucho más elaborado, con miras hacia una cierta experimentación con sonidos más americanos pero sin perder la esencia Kinkeniana, con historias del día a día en un barrio humilde.

Una obra de obligada escucha digna del mejor Ray Davies y compañía.

Vinicio Capossela- Brucia Troia

Impresionante el directo del italiano.

Led Zeppelin

Como no podía ser de otra forma, en un sitio como este, donde la música de los ´60 y ´70 es el principal handicap, los Led Zeppelin no podían faltar, siendo uno de los grupos más importantes de la época cuyos discos siguen siendo un referente para muchos grupos actuales.

De los Led Zeppelin podemos decir que fue una continuidad de The Yardbirds, grupo donde Jimmy Page, Jeff Beck o Eric Clapton pertenecían pero tampoco debemos olvidar a Keith Relf, Samwell-Smith y a McCarty. Bueno, los Yardbirds fueron un grupo importante de R&B en Inglaterra pero el proyecto se desvaneció en 1968. Jimmy Page no se rindió y formó “New Yardbirds” lo que acabó transformándose en los Led Zeppelín con Robert Plant a la voz, Jimmy Page, guitarra, John Paul Jones, al teclado y bajo y John Bonham a la batería.

La carta de presentación de los Led Zeppelin fue “Led Zeppelin I” (1969). El nombre del disco no es que sea muy original pero bueno. Contiene muy bueno temas. Unos muy cañeros como “Communication Breackdown” o “Good times bad times” o otros temazos más tranquilitos como “Babe I´m gonna leave you, canción que gracias a una amiga ha tenido un especial significado durante uno de los períodos más dulces de mi vida, “Your time is gonna come” o “Black mountain side”.Este disco huele mucho a rock, blues y folk. Buen comienzo para el grupo pero faltaba aún una pizca de definición, es decir, faltaba otro disco donde se asentara el estilo inconfundible del grupo y lo lograrían con “Led Zeppelin II”






“Led Zeppelin II” (1969) es una de las joyitas de la década. Con este disco los Led Zeppelin dijeron “Aquí estamos” y con una carta de presentación increíble ”Whole lotta love” cuyo riff ha pasado a los anales de la historia de la música. Ningún tema tiene desperdicio. “The Lemon Song”, “Bring it on home”, “Thank you”, “Heartbreaker”, o el impresionante solo de bateria del gran Bonham en “Moby dick” y no decir del riff de Page.







Ya en la década de los ´70, los ingleses sacaron “Led Zeppelin III”, donde según los críticos musicales supone un descenso en calidad respecto del segundo disco. Personalmente no lo pienso así aunque sí es verdad que en su cara B el folk predomina, es decir, es una parte más tranquila, mas sosegada pero no por ello quiere decir que la calidad del disco sea inferior. “Inmigrant song”, “Celebration day”, el grandísimo blues “Since I´ve been loving you”, “Gallows Pole”, el blues lisergico de “Hats of to (Roy) Harper” o una de mis favoritas “Bron-Y-Aur Stomp” es lo que nos podemos encontrar en este álbum.





1971 fue el nacimiento de “Led Zeppelin IV” uno de los mejores discos del grupo y, según otros, el mejor de ellos. Temas inolvidables, memorables y legendarios como “Black dog”, “Rock and roll” y “Starway to heaven” han sido, son y serán tres pilares en la historia de la cultura musical pero los demás temas del álbum son igualmente fantásticos. La medieval “The Battle of Evermore”, “Misty Mountain Hop”, la gema acústica “Going to California”, “When the levee breaks” o “Four sticks”.

Un disco IMPRESCINDIBLE.






En 1973, “Houses of the Holy” fue el nuevo trabajo del grupo. Cuando escuchas el disco te das cuenta de que los Led Zeppelin indagan en nuevos estilos como ocurre con el reggae “D´yer mak´er” o el funk de “The Crunge” pero también nos encontramos cortes clásicos como la preciosa balada “Rain song”, “Over the hills and far away” y para no perder la costumbre el primer corte del disco “The song remains the same” es muy cañero pero también es verdad que se entremezcla con cortes más suaves para después subir el ritmo como al principio.





Dos años más tarde, en 1975, vuelven a sacar otro mastodóntico disco "Physical Graffiti", esta vez doble, que para un servidor creo que es el álbum más ambicioso de los Led, el más ecléctico y, aunque todos los discos del grupo son magníficos, este es uno de los que más brillan en su discografía. “In my time of dying”, “Trampled under foot”, “Kashmir”, “Ten years gone”, “Bron-YR-Aur” son algunos temas increíbles que se pueden encontrar en este disco.

No tiene desperdicio alguno.







En 1976 salió “Presence” que, personalmente, creo que es el inicio del fin de los Led Zeppelin. Sí, lo sé, tiene algunas canciones muy buenas como es el caso de “Achilles last land” o “Nobody´s fault but mine” entre otras pero no está a la altura de los discos anteriores. En 1977, el hijo de Robert Plant falleció debido a una enfermedad estomacal provocando un parón en las actividades del grupo.





En 1979, el grupo aparecería con “In through the out door”. A destacar el magnífico riff de “In the evening” o “Fool in the rain”. Es un disco superior al “Presence” pero no está a la altura de sus antiguos obras.




En 1980, la tragedia golpearia otra vez al grupo al encontrar al batería John Bonham muerto debido al ahogamiento con su propio vómito después de una borrachera. Fue un duro golpe para el grupo y uno de los principales motivos para la ruptura del mismo en ese mismo año. Debido al contrato que tenían con la discográfica de hacer un disco más, los Led Zeppelin sacaron al mercado “Coda”, una recopilación de temas de archivo.

Esta es a muy grandes rasgos la historia de uno de los grupos más importantes de la historia de la música. Por último, quiero dedicar este post a mi amiga Nhaya que ha sido una de las principales personas en animarme a crear esta entrada con su sana insistencia.

Brian Eno- Here Come the Warm Jets (1974)

Tremendo disco en solitario de Brian Eno después de dejar Roxy Music. Un disco que suena innovador, aún a día de hoy, resultante de un conjunto de canciones de estructuras sencillas con temas de mayor innovación y experimentación melódica e instrumental. Hay que tener las ideas muy claras y saber qué se va a hacer y cómo se va a hacer si quieres sacar en adelante un disco tan complicado como este. Muchos son los grupos que han intentado o intentan hacer discos con una complejidad fuera de lo normal. Algunos lo han conseguido pero muchos de ellos han tenido un resultado soporífero. No es el caso de Brian Eno cuyo disco es una de las maravillas de la década de los setenta. Sin más preámbulo, comentemos el álbum.

Here Come the Warm Jets empieza muy potente con “Needles in the camel´s eye”. Es una de las canciones del álbum que, por lo menos a mi, más me gusta porque la guitarra y la sección rítmica no decaen ni un solo segundo del tema. Suena vibrante y musculoso a cada escucha. Creo que es uno de los temas de la banda sonora de la película “Velvet Goldmine” que relata la escena glam-rock de los setenta.

Destacar “The Paw Paw Negro Blowtorch” (¡¿Qué instrumento es el que suena en el solo?!) o “Baby´s in fire” otro de los momentos álgidos del disco donde el concepto experimentación, o si queréis llamarlo “rayada”, aparece claramente en la parte del solo de guitarra ocupando gran parte del tema. ¡Maravilloso!

Después de un comienzo más que eléctrico, el disco continua con “Cindy tells me” tema más tranquilo que introduce a “Driving me Backwards” que para mi es uno de los temas más impresionantes del disco respecto a la creación de ambientes. El patrón de piano nos retrotrae a un espacio oscuro, angustioso, los diferentes sonidos que se cruzan en mitad del tema profundiza más esa ansiedad y la voz de Eno tiene momentos increíbles, sobre todo, el efecto de agudizar el tono de voz provocando una sensación que se aproxima a la locura. ¡Impresionante!

“On some Faraway Beach” es un vuelco de 180º en relación al tema anterior, es más, suena como una finalización del disco, es decir, como una especie coda con ambientes relajados a través de los sintetizadores para acabar con la base simple del piano en solitario. “Blank Frank” es otro de los temas más experimentales del álbum con introducción de sintetizadores y distorsiones brutales de guitarra provocando una autentica locura pero, a pesar de ello, suena brillante e innovador.

“Dead Finks Don´t Talk” vuelve a los momentos relajados después de la catarsis anterior, con un Eno más pacífico, un piano continuo y espléndido en todo el tema pero no debemos fiarnos de Brian porque en cualquier momento gira el tema hacia cualquier lado y ten cuidado en no perderte. Eso es lo que ocurre en esta canción en extractos como “Oh please sir, will…” donde parece que te esta hablando directamente a ti o en la parte final donde aparece otra vez ese sonido bélico, aterrorizante, descarnado…Me llama mucho la atención en varias partes de la canción que detrás de la voz de Eno aparece otra voz pero cantando de forma muy extraña, como si tuviera problemas en entonar. ¡Es realmente divertido!

“People come and go and forget to close the door...” Así empieza “Some of them are old” siguiendo la atmósfera relajante de las anteriores. Destaco de este tema el increíble solo cuyo instrumento no tengo ni pajolera idea de cual se trata pero suena increible.

Para acabar el disco “Here come the warm jets”se convierte en una canción bestial, potente, a la altura de “Needles in the camel´s eye”. Perfecto, vibrante y grandiosa son adjetivos que se quedan cortos para esta sensacional pieza. Recomendación: ¡Sube muy alto el volumen!

Sinceramente este disco lo descubrí no hace mucho tiempo pero tengo la impresión de que está muy por encima de discos y canciones que he escuchado de grupos actuales. Sé que no he escuchado todos los discos de todos los grupos de ahora porque sería imposible pero cuando lo escuchéis creo que estaréis de acuerdo conmigo que el paso de los años no hacen para nada mella en este monumental disco.

Se ha convertido en otro de los principales discos de mi vida.

Dennis Hopper (17 Mayo 1936- 29 Mayo 2010)

Rock Argentino

Nuestros compadres argentinos tienen una serie de grandes grupos y solistas que, desgraciadamente, por los lares espñoles no son muy conocidos. Aquí os traigo algunos de los pilares fundamentales del rock argentino.
Por supuesto, y no cabe decirlo, si conoceis algún grupo que os guste de Sudamérica y quereis compartirlo en este blog será relamente bienvenido. En Radio Walt no hay discriminación de ningún tipo y se acepta de todo.
Este comentario está dedicado sobretodo a aquellas personas que entran desde el otro lado del charco a este espacio. Nos gustaría que nos instruyerais sobre nuevos grupos de cualquier nacionalidad siendo argentino, chileno, brasileño, peruano, colombiano, venezolano, etc.
Espero que os guste los videos. Este finde, cuando me tome un respiro es mi estudio personal, trataré de comentar algún disco.

Salud y Rock!!!

Charly García- Promesas sobre el bidé

Spinetta- Cheques

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota- Cruz diablo

Manal- Jugo de tomate

Sumo- White trash

Kyuss- Supa Scoopa and Mighty Scoop; Catamaran

Kyuss fue uno de lo grupos principales en el llamado "stoner-rock". Cuando el grupo se extinguió cada miembro formaron proyectos diferentes: Josh Homme formaría Queens of the Stone Age junto con Nick Olivieri. Brant Bjork formaría Fu manchu y actualmente, trabajos en solitario de muy buena calidad.
Por otra parte, John García crearía Hermano y Unida.

Silvio Melgarejo

Silvio fue todo un personaje. Rockero como el que más, fanático de Elvis, sevillano y atado a vicios que le llevarían al lado más salvaje de la vida y, por último, al otro barrio.
Fue miembro de los grupos sevillanos Gong y Smash, siendo este último quien puso la semilla en la fusión del rock y el flamenco.
Silvio, dejó el grupo de Smash y sacó discos en solitario bajo títulos como "Silvio y Luzbel", Silvio y los Diplomáticos", etc.
Lástima que en el 2001 falleciera pero, como se dice en estas ocasiones, siempre nos quedarán sus canciones

Este último tema, "Aunque no seas virgen", fue versioneado por Los Enemigos en su disco "Se buscan Fullmontis" (1999)

Soul Tellers- Healing with the Feeling (2009)

Para ser sincero no soy muy dicho en soul. Conozco los grupos y solistas principales pero siempre ha sido uno de los campos en los que tengo que profundizar y, estoy seguro, voy a disfrutar como un enano. A ver si este verano, tengo un poco más de tiempo y me pongo a ello.

Dicho esto, el verano pasado tuve la suerte de asistir a un concierto de un grupo que desconocía totalmente. Mi objetivo, a primera vista, era disfrutar del repertorio que iba a pinchar el mítico Juan de Pablos pero a falta de media hora del espectáculo, el coordinador comentó la ausencia del mismo por enfermedad. Pena, indignación y con las ganas por los suelos pero afortunadamente estaban los Soul Tellers, a la cabeza Miguel A. Julián y dieron un recital de soul y funk digno de admirar.

Después del concierto, puede adquirir el disco que, a continuación, se va a comentar.

Healing with the Feeling empieza con un tema muy funk “This is the sound of the blues”. Un tema con fuerza, wha-wha, piano, coros femeninos y la gran voz de Miguel. No esta nada mal para empezar el disco.

“Some memories” o “I´m in London again” pienso que son dos de los mejores cortes del disco aunque hay más de uno que merecen también esta distinción. Para gustos colores y todas las opiniones serán gustosamente recibidas.

Relucen soul y retazos funk por todas partes. Esa sección de viento en “I´m in London again” es que siempre queda bien y muy pegadizo la parte de !!!na-na-nara nananara!!!!

Otros temas a considerar es “Jaime” con voz y coros femeninos acompañando a Miguel, realmente fabulosos. Después de los primeros temas más moviditos, escuchamos “When you are alone (who is there with you)” que nos baja a la tierra con ritmos más lentos pero sin perder un ápice de calidad. Buen tema para momentos íntimos, ya sabéis.

Las trompetas nos despierta otra vez en “Hello Goodbye” para seguir con “Midnite sun” un tema realmente grande. Al principio, asoma un piano e introduce a Miguel a la voz. Sinceramente, tu pie no dejará de marcar el ritmo. ¿Los coros? Pues más de lo mismo. Esas voces femeninas encajan perfectamente en el tema. El tema no podía ser mejor.

“I think I´m gonna make it” huele a melancólico, amoroso y muy soulero. “Soul teller” es otro de los cortes que merecen especial atención. Una muy buena melodía, un órgano escondido pero realizando esos ambientes que quedan tan bien en el tema. Miguel, no cabe decirlo, sigue realizando un trabajo fantástico a la voz y un acompañamiento femenino a la altura.

“Healing with the feeling” cierra el álbum. Para no ser menos, es otro tema genial que resume el disco: Voz grave y ahogada, guitarras limpias, órganos atmósféricos, piano hipnótico y esos coros femeninos inconmensurables.

Viendo la contraportada del disco e investigando un poco por la red, el álbum esta producido por Willie Mitchell, uno de los productores pesados del sonido soul que produjo a grandes como Al Green. No es de extrañar que este disco suene y huela tanto a “americano”.

Nunca te acostarás sin saber algo más.

Frank Zappa

A falta de tiempo para comentar algún que otro disco, os dejo algunos videos de Frank Zappa y sus Mothers of Invention. El primer video, "Anyway the wind blows", es del primer disco "Freak out". El segundo video "Peaches in Regalia" es del magnífico disco "Hot Rats". El último video es un directo.

Que los disfruteis!!

James Brown- I feel good

El padrino del soul en Montreux (1981)
Vaya crack!!

Big Star- #1 Record (1972)

Big Star es uno de los referentes en power pop de los 70. Grupo no muy conocido en la época pero de gran trascendencia para grupos actuales como Teenage Fanclub, Matthew Sweet o Fountains of Wayne, entre otros muchos.

El dúo Chris Bell y Alex Chilton crearon una máquina de excelentes melodías, muy influenciados por The Beatles, la invasión británica y grupos americanos como Beach Boys o the Byrds, siendo #1 Record su primer disco. Además del dúo principal, al bajo encontramos a Andy Hummell y a la batería a Jody Stephens.

“Feel”, porque no decirlo, es un temazo donde sobresale ante todo un riff de guitarra poderoso y energético, una sección de viento, que por lo menos, para mi, me pone el vello erecto y unas armonías vocales de lo más gustosas. Una de las canciones que nunca me canso de escuchar.
Después de toda la carga eléctrica, la cosa se pone más tranquila con “The ballad of El Goodo” pero sin bajar la calidad predominando las guitarras acústicas, los coros y otra vez un estribillo pegadizo. Llevamos dos canciones y…joder, como así sea todo el disco va a ser uno de mis favoritos y, la cosa es que, el siguiente tema, “In the street”, regresa con esa guitarra fibrosa de riff marcado que, por lo menos a mí, me encanta.

A través del disco nos encontramos esos altibajos de sonido más roquero con temas más tranquilos como “Thirteen”, donde vuelve a predominar las acústicas. Sinceramente, para mí, es uno de mis cortes preferidos. Será porque me encantan las armonías vocales.

¿Y qué toca ahora? Pues caña al palo. “Dón´t lie to me” nos despierta del corte anterior y, joder…¡¡¡es la leche!!! Esto es rock n´ roll y no el de muchos de los “grupetes” de ahora que se creen que son la monda de originales. ¡Grandísimas las guitarras!, ¡grande la voz! y ¡grande el tema entero!

“The Indian song” trata sobre el deseo de viajar a la India y aislarse del mundo salvaje. Tema con cierto aire oriental basado en las guitarras acústicas. A destacar la introducción de instrumentos de viento como es la flauta (?).

“When my baby besides me” tiene especiales ecos a Buffalo Springfield…mmm, me acaba de llegar un olorcillo a “Rock and roll Woman”. Las guitarras eléctricas vuelven a predominar trayéndonos un buen riff, como ya nos tienen acostumbrados a lo largo del disco, pero sobretodo un puente magnífico, además destacar la sección rítmica a cargo de Jody Stephens.

“My life is right” nos devuelve al estado sentimental donde se proclama a los cuatro vientos el amor hacia la otra persona. Esta vez es el piano quien toma el mando al principio para que la eléctrica siga en los momentos más energéticos. “Give me another chance” vuelven a sonar las acústicas y una estructura melódica sensacional. Es en pocas palabras otra de las joyitas a guardar como oro en paño.

“Try again” es otro de los momentos puros del álbum a cargo de la guitarra acústica y con el slide como protagonista marcando el solo del tema. Realmente maravilloso.

Estamos acabando el disco y Big Star no deleita con este penúltimo tema acústico “Watch the sunrise”, muy movido y una delicia melódica. Una introducción que no tiene desperdicio ninguno, la armónica acompañando a una voz exquisita y unos coros maravillosos.

“ST 100-6” con una duración de poco más de un minuto, nos recuerda profundamente a The Beatles, sobre todo en las armonías vocales.

Con lo que habéis leido no hace falta deciros que recomiendo encarecidamente este sobresaliente disco de Big Star, espero que sea uno de vuestros imprescindibles y que lo disfrutéis tanto como yo lo hago cada vez que apreto el “Play”

The Association-Come on in

Grupo sunshine pop californiano de la década de los sesenta. Espléndidas armonías vocales.

Creedence Clearwater Revival- Cosmo´s Factory (1970)

La Creedence Clearwater Revival es uno de los grandes nombres en la historia de la música popular y un grupo imprescindible es la década de los 60 y muy principios de los 70. Como pequeña presentación, a la voz y guitarra, John Fogerty, al bajo Stu Cook, a la guitarra rítmica Tom Fogerty y a la batería, Doug Clifford.

Nacidos en California, la CCR fueron consecuentes y fieles a su estilo de rock de raíces americanas, cuando la psicodelia y la experimentación musical estaban en auge en la costa este de EEUU con grupos como Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, etc, y sacaron este magnífico álbum. Para aquellos que no habéis escuchado nada de ellos, aunque me extraña porque seguro que conocéis alguna canción y no sabéis que es del grupo, deciros que en la película El Gran Lebowsky (¡¡Peliculón!!) en algunas escenas salen extractos de canciones de la CCR.

Cosmo´s Factory es uno de los mejores trabajos, si no es el mejor, de la Creedence y se nota nada más empezar. “Ramble Tamble” es desbordante, poderoso, energético…la parte del puente es genial, la voz en eco de Fogerty es la leche,…vamos, que no se podía haber empezado de mejor manera.

La cosa no se queda ahí porque en este disco vamos a encontrar temas fibrosos como la gran “Travelin´band” donde Fogerty cuenta como es la vida de la banda entre bolo y bolo, “Ooby Dooby” tema que, si bien no me equivoco, fue interpretada por Roy Orbison pero escrita por Moore/Penner, “Run through the jungle” “Up around the Bend” o “Lookin´out my back door”, uno de los temas más conocidos del grupo. Cada vez que escucho este tema me acuerdo del toñazo que se pega el gran Nota con su coche debido a un canuto mal apagado. ¡¡Mítico!!

“I heard it trough the grapevine” fue escrita por Barrett Strong y Whitfield cuando estaban en el equipo de la Motown y fueron Marvin Gaye y Gladys Knight quienes interpretaron este tema pero la CCR la versionó de manera increíble. Es uno de los grandes temas del disco.

También hay tiempo para canciones más lentas como “Who´ll stop the rain”, el bluesy “Before you accuse me” tema de Bo Diddley y para cerrar el álbum “Long as i can see the light”.

Un disco redondo e imprescindible para los buenos amantes del rock.